已故挪威表现主义画家爱德华·蒙克的名画《呐喊》中的人为什么会面带惊恐？此前，很多人认为这与画像背后神奇的云彩有关，流行的说法是这些画是在印度尼西亚火山爆发的背景下创作的。然而，挪威研究人员认为，这种波云更像是另一种罕见的天体现象——母云。

奥斯陆大学研究员海伦·穆里24日在奥地利维也纳举行的欧洲地质联盟大会上表示，火山爆发无法解释蒙克作品中的云为什么是波浪形的。此外，火山爆发造成的日落奇观通常会持续很长时间，甚至几年。根据蒙克的日记，“天空空突然变得像血一样红”，画中的天象更加短暂，很快就消失了。

穆丽说，蒙克画的云更像是珍珠母云。母云通常在冬季极地地区地面以上一万米的平流层形成。形成条件包括大气温度降至-80摄氏度以下。由于云层很薄，白天很难探测到，通常在日出前或日落后才能看到。当时的云就像珍珠贝壳，场面壮观。任何第一次看到它的人都会感到惊讶。

Muri说，在奥斯陆生活了25年，只见过一次母云，前提是她对这一天比较熟悉，能够预测观察条件。第一个有记载的珍珠母云出现在19世纪末，与《呐喊》的创作时间相吻合。据她说，基于人们对100多年前天象的认识，蒙克大概是看到母云才震惊的。

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爱德华·蒙克关于存在焦虑的绘画是艺术史上的第二幅杰作。然而，这幅画是如何达到这个高度的呢？阿拉斯泰尔·苏克会告诉你这幅画背后的故事。

沸腾的一天空，像一团火:红、黄、橙的火焰弥漫天空。天空之下空有一个分不清男女的男人。我看见那个男人穿着一件带有波浪线的蓝色外套。蓝色的外衣似乎融入了急流，流进了身后的深蓝色河流。这个人光秃秃的头像一个头骨，头的两侧各有一双细长的手。

那人吓得睁大了眼睛，发出一声可怕的尖叫！除了远处桥上的两个人和峡湾里的小船，画面中的一切都弥漫着一种原始的、不可阻挡的恐惧。

这是挪威艺术家爱德华·蒙克的名画《呐喊》，是艺术史上仅次于达芬奇的第二好作品——《蒙娜丽莎的微笑》。

准确地说，这只是蒙克一生所写的《呐喊》的四个版本之一。最早的版本是1893年的《呐喊》，现藏于奥斯陆国家艺术博物馆。在奥斯陆另一边的奥斯陆蒙克博物馆，有一幅1910年的鸡蛋色木板画，名为《呐喊》。这幅画是1893年版《呐喊》的复制品。

我现在要描述的是1895年版的《呐喊》。这幅画是一幅粉彩木板画，是四个尖叫声中唯一一个有原始画框的。与此同时，这幅画也是四个尖叫声中唯一仍为私人所有的一幅。2012年，这版《呐喊》在纽约苏富比拍卖行拍卖。仅经过12分钟的竞价，这版《呐喊》就拍出了近1.2亿美元的天价，创下了艺术品拍卖史上最贵艺术品的纪录。这幅画的买家是美国资本家利昂·布莱克。现在这幅画正在纽约艺术博物馆的新展览“僧侣与表现主义”中展出。

2012年，《呐喊》的1895年粉彩木刻版在纽约苏富比拍卖行拍出近1.2亿美元的天价，并称:“在《呐喊》的四个版本中，最珍贵的是藏在奥斯陆国家美术馆的油画版《呐喊》。不过，粉彩版的《呐喊》也是一部传奇作品:这个版本的《呐喊》不仅色彩鲜艳，而且色彩新颖，仿佛昨天才刚刚完成。在我看来，这个版本也是最具表现力的版本:因为粉彩绘画的自由度很高，我们可以看到蒙克在绘画中使用的多变的线条和轮廓。正是这些多变的轮廓和线条，让这个版本的《呐喊》有着非常有表现力和生动的画面，是油画版《呐喊》无法比拟的。

存在焦虑

蒙克来自一个贫穷的军医家庭，是家里五个孩子中的第二个。他生于1863年，死于1944年。本次展览在纽约纽约美术馆举办，旨在探讨蒙克与20世纪初德国、奥地利先锋派表现主义艺术运动的关系。虽然这次展览主要展示蒙克艺术生涯后期的作品，但仍有1895年版《呐喊》的一席之地。蒙克第一次到达柏林是在1892年，很快就在那里出名了。

在德国，蒙克度过了疯狂而富有创造力的几年。那些年，蒙克在一个叫“小黑猪”的酒吧里和一些志同道合的艺术家和作家交朋友，其中就有他的密友约翰·斯特林堡。也是在那段时间，蒙克创作了他职业生涯中的几部主要作品，包括《吸血鬼》和《麦当娜》。这两幅画已经成为未来史诗半自传体组画《生命的丝带》的一部分。在《生命的丝带》中，蒙克把关于爱、性和死亡的强烈情感变成了一个世界性的象征。《呐喊》的原版，也就是1893年版的《呐喊》，也是这个系列的22幅组画之一。

在德国期间，蒙克创作了几部主要作品，包括《吸血鬼》和《麦当娜》

1892年，蒙克创作了《呐喊》的前身——《夕阳的朦胧:绝望》。这幅画的构图和《呐喊》很像:无论是血色的天空空，蓝绿色的湖水和风景，还是桥上的三个人。虽然当时的绘画相对创新，但相比较而言，画风没有《呐喊》那么颠覆。《呐喊》是蒙克的一个突破，表现出强烈的存在主义恐惧，完全压倒了前者所透露出的轻微悲哀。

在蒙克的日记中，一篇日期为1892年1月22日的文章记录了他创作《呐喊》的灵感来源。日记中写道:“日落时分，我和两个朋友走在路上——突然我感到悲伤——天空空突然变红。我停下来，靠在栏杆上，感觉累得要死——红色和燃烧的日子空就像血和剑，悬在蓝黑色的峡湾和城市上空——我的朋友们不停地向前移动，而我站在那里——我焦虑得发抖——然后我感到一种巨大而无尽的哭声划破了大自然。

《呐喊》可能是蒙克的自画像，也可能是他在1889年巴黎世博会上看到的秘鲁木乃伊

蒙克的姐姐索菲在他13岁的时候去世了。《呐喊》中的人物可能是蒙克得知妹妹死讯时的自画像。一些艺术史学家还说，《呐喊》中的人物可能来自蒙克在1889年巴黎世博会上看到的秘鲁木乃伊。

在纽约纽约美术馆的展览中，《呐喊》被安排为最后一幅供游客观赏的画作。根据策展人劳埃德的说法，这种安排是因为“尖叫中的一切都展现了表现主义的本质”。

每个人都大声呼喊

的确，从艺术史的角度来看，劳埃德是对的。在众多展品中，德国艺术家埃里希·赫克尔的一幅黑白木刻说明了蒙克对表现主义者的影响。这幅画创作于1917年。它显示了一个人站在一个可怕的荒地上，手里拿着太阳，好像他要变成几束光，在生成中赶走。海克尔的作品显然是对蒙克1895年黑白平版印刷版《呐喊》的致敬。20世纪初，这版《呐喊》是四版中流传最广的一版。

然而，海克尔并不是唯一受蒙克影响的表现主义艺术家。受《尖叫》的启发，弗朗西斯·培根创作了《尖叫教皇》系列。1984年，安迪·沃霍尔制作了一系列色彩丰富明亮的丝网印刷版《呐喊》。

弗兰西斯·培根的《尖叫教皇》灵感来自《尖叫》和贝拉斯克斯教皇英诺森十世的肖像

《呐喊》也是特雷西·艾敏历史上最喜欢的一幅画。1998年，艾敏还为此拍了一段视频:她亲自参观了挪威的一个峡湾，在那里喊了整整一分钟，整个过程中，镜头始终停留在峡湾的水面上。极具魅力的塞尔维亚动作艺术玛丽娜·阿布拉莫维奇曾呼吁奥斯陆当地居民在街上大声呼喊，以表达对蒙克的尊重。在英国艺术家彼得·多伊格的另一幅画作《回声湖》中，一个幽灵警察紧紧地抱着他的头，注视着《呐喊》中人物的动作。

我们可以认为《呐喊》最伟大的地方在于它超越了艺术与历史的界限，成为了大众文化的试金石。在历史上，《呐喊》不仅多次被借鉴，还被制作成漫画和讽刺作品。正因如此，《呐喊》比它的作者蒙克更为人所知。

韦斯·克雷文的惊悚片《尖叫》中的卡通《辛普森一家》和杀手戴的幽灵面具都是受《尖叫》的启发。正是这无数对呼的引用和提及，才让没听过蒙克的人认出了画呼。在奥斯陆，不同版本的《呐喊》在不同的博物馆被盗了两次，这让《呐喊》的名声以另一种方式传播得更广。

《呐喊》在流行文化中随处可见:从《辛普森一家》到20世纪90年代《呐喊》系列中杀手戴的幽灵面具

劳埃德说，《呐喊》之所以能变得如此无处不在，是因为“它很容易被改编成漫画，这是其他画作所没有的特点。作为一个形象，《呐喊》所表达的意义非常明显。因为这个原因，画中的其他部分经常被省略，只留下最精华的部分，这也意味着一旦你看到了这个形象，就会难忘。如今，《呐喊》中的形象被运用到生活的方方面面:从手袋到海报再到杯子。简而言之，我们可以从任何我们能想到的事物中看到“尖叫。”

与此同时，我们很难解释《呐喊》的全球吸引力。就劳埃德而言，《呐喊》极其成功，因为它标志着19世纪末20世纪初西方文化领域的一次重要变革。劳埃德解释说:“尖叫是反映历史转折点的画作之一。《呐喊》标志着在19世纪的这个节点上，人类已经从过去舒适稳定的环境中解放出来:过去的神灵、各种习俗和传统已经不复存在，只剩下深陷生存危机的悲惨人类。他们面前的世界是他们无法理解的世界。他们唯一能感受到的就是恐惧。”

劳埃德补充道:“这种说法听起来可能充满了负能量，但这确实是我们这个世界目前的状态。正是这种感觉，让我们失去了所有与世界相连的精神支柱，将现代人与文艺复兴后的历史区分开来。”